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Album – Electric Light Orchestra – Discovery (1979)

The Electric Light Orchestra (ELO) est un groupe de rock anglais formé à Birmingham en 1970, par les compositeurs/multi-instrumentistes Jeff Lynne et Roy Wood ainsi que le batteur Bev Bevan. Leur musique se caractérise par une fusion de la pop influencée par les Beatles, des arrangements classiques et une iconographie futuriste. Après le départ de Wood en 1972, Lynne est devenue le leader du groupe, écrivant et produisant l’intégralité de chaque album.

Le groupe s’est formé pour répondre au désir de Lynne et Wood de créer des chansons modernes pop rock avec des harmoniques classiques, s’inspirant de leur groupe précédent The Move, dont Lynne et Bevan étaient également membres. Au cours de leur apogée entre 1970 et 80, ils enregistrèrent une série d’albums qui incluent les travaux conceptuels Eldorado (1974) et Time (1981). Au départ, Lynne, Bevan et le joueur de clavier Richard Tandy étaient les seuls membres permanents du groupe. En 1986, Lynne décida de quitter le groupe. Mais Bevan prit la relève en formant son propre groupe ELO Part II, qui deviendra ensuite The Orchestra. À l’exception d’une reformation de courte durée en 2000-2001, ELO est resté largement inactif de 1984 à 2014. En 2014, Lynne a reformé le groupe en tant que Jeff Lynne’s ELO.

Durant 13 ans, au cours de la période d’enregistrement et des des tournée qui suivirent d’ELO, le groupe a vendu plus de 50 millions de disques dans le monde. Malgré le succès de leurs singles au Royaume-Uni, le groupe a d’abord marché aux États-Unis, où ils étaient appelés «les Anglais aux gros violons». De 1972 à 1986, ELO a accumulé vingt Hits au Top 20 sur Le UK Singles Chart et quinze au Top 20 des sur le Billboard Hot 100 des États-Unis. Le groupe détient également le record de 40 Hits classés au Billboard Hot 100 sans qu’un seul n’ait atteint la première place dans le charts américains. En 2017, ELO a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame.

Quelques albums remarquables :

Eldorado (1974) : est le premier album concept d’ELO. Le leader du groupe, Jeff Lynne, a conçu l’histoire avant d’écrire la musique. L’intrigue suit un personnage à la Walter Mitty qui se déplace dans des mondes fantastiques grâce à ses rêves, afin d’échapper à la désillusion de sa réalité banale. Lynne a commencé à écrire l’album en réponse aux critiques de son père, un amateur de musique classique, qui déclarait que « le répertoire d’ELO n’avait pas de titre reconnaissable ». L’influence des Beatles est présente, en particulier dans la mélodie du verset de « Mister Kingdom » qui, dans une certaine mesure, ressemble à l' »Across the Universe » des Beatles.

« Can’t Get It Out of My Head » est sorti en single (avec « Illusions in G Major » comme face B) et a été un succès aux États-Unis. « Boy Blue » a été publiée en second single de l’album, mais n’a pas eu d’impact commercial. L’album a été certifié or aux États-Unis peu de temps après sa sortie. L’album et les singles, n’ont cependant pas réussi à trouver un large public dans le Royaume-Uni natal du groupe.

Eldorado marque le premier album sur lequel Jeff Lynne a embauché un orchestre. Sur les albums précédents, Lynne ajoutait les cordes au mixage. Louis Clark co-arrangeur, avec Lynne et le claviériste Richard Tandy, a dirigé les cordes.

Discovery (1979 : fut le premier album numéro 1 du groupe au Royaume-Uni, entrant dans le classement à cette position et y restant pendant cinq semaines. L’album contenait cinq tubes dont : « Shine a Little Love », « Do not Bring Me Down », « Last Train to London », « Confusion » et « The Diary of Horace Wimp », dont beaucoup ont été fortement influencés par la disco (En fait, Richard Tandy en garda un surnom : Disco Very). « Don’t Bring Me Down » deviendra l’un de leurs deux succès classé au Top 3 au Royaume-Uni tout au long de leur carrière (« Xanadu » deviendra numéro un en 1980), et aussi leur premier single américain classé quatrième. « The Journal d’Horace Wimp » était également un single au Royaume-Uni, non calibré pour le son des discothèque. Au lieu de cela, il était plus proche du son Beatles sur lequel s’était calqué le groupe avec leur succès précédent « Mr. Blue Sky ». L’album lui-même a été le premier à générer quatre singles au Top 10 à partir d’un seul LP au Royaume-Uni et finalement été certifié 2x platine par la RIAA en 1997.

Dicovery est remarquable en ce sens qu’il s’agissait du premier album ELO à ne pas présenter son trio de cordes composé de Mik Kaminski, Hugh McDowell et Melvyn Gale, bien qu’ils aient fait leur apparition sur certaines vidéos musicales de l’abum. Peu de temps après, le leader Jeff Lynne a jugé que ce trio était superflue et il a décidé de les reprendre sur un enregistrement.

Ici dans un de ses premiers emplois, le comédien et acteur Brad Garrett, vêtu de vêtements et de turban du Moyen-Orient, apparaît sur la couverture arrière comme le gardien du palais menaçant qui tire son cimeterre hors de son fourreau.

Time (1981) : a culminé en tête de vente des albums du Royaume-Uni pendant deux semaines. C’est un album conceptuel évoquant un homme des années 80 qui est projeté l’an 2095, où il est confronté à la dichotomie entre l’avancement technologique et l’envie d’une romance passée. En tant que travail de synth-pop, Time combine des éléments de la musique des années 1950, de la nouvelle vague, du reggae, du rockabilly, des Beatles, de Phil Spector et des Shadows. L’album a marqué un nouveau départ du son du groupe en mettant l’accent sur l’électronique plutôt que sur son orchestre habituel. C’est aussi le deuxième album conceptuel du groupe, le premier étant Eldorado en 1974. La vidéo musicale créée pour son single principal « Hold On Tight » fut la plus chère jamais réalisée à l’époque, avec un budget d’environ £ 40,000. Quatre autres singles ont suivi la sortie de l’album: « Twilight » , « Ticket to the Moon », « Rain Is Falling » et « The Way Life’s Mean to Be ». Time est considéré comme le premier grand album conceptuel consacré au voyage dans le temps ainsi que l’album le plus influent d’ELO.

Secret Messages (1984) : Le disque devait être à l’origine un double album, mais ce projet a été stoppé par le distributeur de Jet, CBS Records, affirmant que produire un album double vinyle coûterai trop cher à réaliser. En conséquence, le leader Jeff Lynne dû le réduire à un seul album. Cette version de l’album a été enregistrée numériquement et fut le premier disque compact d’ELO. Six des chansons de l’album double prévu sont apparues en Face B. Ceux-ci incluent un hommage de huit minutes à la ville natale du groupe (Birmingham), intitulé « Hello My Old Friend ».

Secret Messages, comme le suggère le titre, est truffé de messages cachés sous la forme de masquage, certains évidents et d’autres moins. Il s’agissait de la deuxième réponse de Jeff Lynne aux allégations de messages sataniques cachés dans des LPs antérieurs de Electric Light Orchestra, faites par des fondamentalistes chrétiens, ce qui a conduit à des auditions au Congrès américain au début des années 1980 (une réponse similaire a été faite par Lynne sur l’introduction de la piste « Fire on High » sur l’abum Music). En Grande-Bretagne, le dos de la pochette de Secret Messages disposait d’un faux avertissement sur les messages cachés. La publication imminente de l’album aux États-Unis provoqua une telle fureur que CBS Records dû supprimer cette couverture. Celle qui fut finalement imprimée (conçue pour ressembler à l’arrière d’un cadre photo) contient également des « Messages secrets » sous la forme d’autocollants. L’une est la liste des pistes du disque et les deux autres contiennent les anagrammes des 4 membres du groupe : T.D. Ryan (R. Tandy), F.Y.J. Fenouil (Jeff Lynne), G.U. Ruttock (K. Groucutt) et E.V. Nabbe (Bev Bevan). Le morceau d’enregistrement contient également un « Message secret » : Le début et la fin du titres répète les intiales E L O en code Morse.

Il y a cinq tubes sur l’abum : « Secret Messages », « Loser Gone Wild », « Four Little Diamonds », « Stranger » et « Rock ‘n’ Roll Is King ».

Discographie :

The Electric Light Orchestra (1971)
ELO 2 (1973)
On the Third Day (1973)
Eldorado (1974)
Face the Music (1975)
A New World Record (1976)
Out of the Blue (1977)
Discovery (1979)
Time (1981)
Secret Messages (1983)
Balance of Power (1986)
Zoom (2001)
Alone in the Universe (2015) (Jeff Lynne’s ELO)

Voir sur YouTube : « Electric Light Orchestra – Don’t Bring Me Down » ; « Electric Light Orchestra – Last Train to London » ; « Electric Light Orchestra – Hold On Tight » ; « Electric Light Orchestra – Secret Messages » ; Electric Light Orchestra – Rock n’ Roll Is King par ELOVEVO ; « ELO Stranger » par lepa26 et « Electric Light orchestra – Can’t Get It Out Of My Head » par Prontent

Film – C’était demain (1979)

C’était demain (Time After Time) est un film de science-fiction américain de 1979, réalisé par Nicholas Meyer avec Malcolm McDowell, David Warner et Mary Steenburger. C’était les débuts de Meyer dont le scénario est basé sur les prémisses du roman éponyme de Karl Alexander (qui n’était pas fini à l’époque) et sur une histoire d’Alexander et Steve Hayes. Le film évoque les aventures de l’auteur britannique H. G. Wells à la poursuite de Jack l’éventreur, après que celui-ci ait utilisé sa machine à voyager dans le temps pour échapper à la police de son époque.

L’histoire :

En 1893 à Londres, l’écrivain populaire Herbert George Wells présente sa machine à voyager dans le temps à ses invités quelque peu médusés. Après avoir expliqué comment elle fonctionne, (sa machine est munie d’un système de sécurité, une clé sans laquelle, elle revient systématiquement à son point de départ) deux agents de police investissent la maison à la recherche de Jack l’Éventreur qui vient de sévir à proximité. Une malette contenant des gants tâchés de sang appartenant à l’un des amis de Herbert, un chirurgien nommé John Leslie Stevenson, les conduit à conclure que celui-ci pourrait être l’infâme tueur. Wells se dirige vers son laboratoire, mais la machine temporelle n’est plus là.

Stevenson s’est échappé dans l’avenir, mais comme il ne dispose pas de la clé «de non-retour», la machine revient automatiquement en 1893. Herbert l’utilise pour poursuivre Stevenson qui l’a programmé au 5 novembre 1979. Les 8 heures de décalage font que Wells ne se retrouve pas à Londres, mais à San Fransisco en 1979 dans une salle d’exposition consacrée à ses œuvres et à sa vie. L’exposition permet de dissimuler d’une façon imprévue la machine, quelque peu antique, au monde futur. Il est profondément choqué par le futur, alors qu’il s’attendait à ce qu’il soit devenu une utopie sociale éclairée, celui-ci est entaché de guerres, de crimes et de sang sur fond d’avion à réaction et de voitures polluantes.

Supposant que Stevenson aura besoin d’échanger son argent britannique contre des Dollars, Herbert recherche son passage dans différentes banques de la ville. À la Chartered Bank, il rencontre l’employé Amy Robbins, qui dit avoir dirigé Stevenson vers le Hyatt Regency hotel.

Confronté à son ami Herbert, Stevenson avoue qu’il trouve que la société moderne est agréablement violente, en déclarant : «Il y a quatre-vingts ans, j’étais un monstre. Maintenant … je suis un amateur». Herbert lui demande de revenir en 1893 pour être jugé, mais Stevenson essaie plutôt de lui voler la clé de non-retour de la machine temporelle. Leur lutte est interrompue par une femme de service et Stevenson est heurté par une voiture pendant la poursuite frénétique. Herbert l’emmène à la salle d’urgence de l’hôpital général de San Francisco et pense que Stevenson ne survivra pas à ses blessures.

Herbert se retrouve avec Amy Robbins et tombe amoureux d’elle. Stevenson qui n’est pas mort, retourne à la banque pour échanger plus d’argent. Il soupçonne que c’est Amy qui l’a dénoncé à Herbert, et il découvre où elle habite. La presse annonce de nouveaux crimes et Herbert sait qu’il s’agit de Stevenson. Celui-ci le menace de tuer Amy s’il ne lui remet pas la clé. Effrayé, Herbert doit dire la vérité à Amy. Il emporte Amy qui est très sceptique quant à sa machine, pour faire un saut de puce de trois jours dans le futur. Mais une fois sur place, elle est effrayée lorsqu’elle lit un titre de journal révélant son propre meurtre en tant que cinquième victime de l’éventreur…

Réception du film par la critique et récompenses :

À l’époque, la critique a parlé du film comme « montrant à la fois les possibilités et les limites de la prise de libertés d’un réalisateur avec la littérature et l’histoire. Nicholas Meyer a juxtaposé habilement l’Angleterre victorienne et l’Amérique contemporaine dans une histoire intelligente et irrésistible en raison de la compétence de son casting ».

Nicholas Meyer a remporté le Saturn Award de la meilleure histoire, Mary Steenburgen celui de la meilleure actrice, et Miklós Rózsa celui de la meilleure musique. Meyer a été nominé pour le meilleur réalisateur, Malcolm McDowell pour le meilleur acteur, David Warner pour le meilleur second rôle, Sal Anthony et Yvonne Kubis pour les meilleurs costumes ; quant au film, il a été nominé pour le meilleur film de science-fiction.

Nicholas Meyer a remporté le prix Antenne II et le Grand prix du Festival du film fantastique d’Avoriaz et il a été nominé au prix Edgar Allan Poe pour le meilleur scénario cinématographique, et au prix Hugo pour la meilleure représentation dramatique.

Voir sur YouTube : « Time After Time – C’était Demain – 1979 » par FX Vestiges

Youngtimer – BMW M1 (1978-81)

La BMW M1 fut une des superproductions internationales dont le générique est plus spectaculaire que la réalisation. Mécanique BMW, carrosserie signiée Giugiaro, conception et réalisation par Lamborghini : la M1 avait de quoi mettre l’eau à la bouche de l’amateur le plus blasé. Mais, bien que la M1 ait été une réussite technique, ce modèle fut un fiasco commercial. La première BMW à moteur central méritait pourtant mieux.

M comme Motorsport :

Il s’agissait à l’origine de créer une berlinette de compétition sur le modèle de la Lancia Stratos, construite à 400 exemplaires pour être homologuée en Groupe 4. Projet lancé en 1975 par le directeur de Motorsport (filiale de BMW constituant son service course), l’affaire était à la fois trop importante pour Motorsport et pas assez pour BMW. Elle fut donc confiée à la firme italienne Lamborghini pour la conception et la fabrication de la voiture. Finacièrement le dos au mur, Lamborghini ne put faire face à ses engagements. La M1 fut donc reprise par BMW.

Le moteur :

La E26 est présentée en octobre 1978 au Salon de Paris. La commercialisation est initialement prévue à la fin de l’année 1978 mais l’homologation n’a lieu qu’en 1979. Le moteur, qui est repris par la suite dans la M635CSI, est équipée d’une culasse 24 soupapes déjà vue sur les coupés CSL Groupe 2, d’une injection mécanique, d’un allumage électronique et d’un système de lubrification par carter sec. Les 277 ch et les 33,5 mkg de couple sont transmis via une boîte ZF et un embrayage bi-disque. Ce moteur est positionné en longitudinal-central pour d’évidentes raisons de rationalisation industrielle, ce qui permet de positionner deux réservoirs de 58 litres de part et d’autre du groupe propulseur afin de centrer les masses.

Une carrosserie sobre :

BMW fit appel à Giugiaro, le patron du bureau de style italien Italdesign, qui débordé de commandes, ne fournit qu’un habillage de confection, correct mais sans génie. Les châssis tubulaires sont produits chez Marchesi à Modène, les éléments de carrosserie en matériau composite viennent de chez Transformazione Italia Resina également basée à Modène. La société Ital Design s’occupe de l’assemblage de la carrosserie et du châssis ainsi que de la peinture. Ital Design s’est également occupé montage d’éléments tels que le tableau de bord et la partie électrique. L’assemblage se fait chez Baur en Allemagne. L’austérité bien connue des équipement de la firme de Munich ne fit rien pour renforcer la séduction de la voiture. Son prix de vente très élevé acheva de rebuter les clients. La firme eut bien du mal à écouler la M1 construite seulement à 455 exemplaires. C’est maintenant un objet de collection très prisé, très rare, et donc très cher.

Caractéristiques Techniques :

Moteur et transmission : 6 cylindres en ligne, 3,5 L, 24 S ; Position du moteur : Longitudinale centrale arrière ; Cylindrée : 3453 cm3 ; Puissance maximale : 277 ch à 6500 tr/min ; Couple maximal : 330 Nm à 5 000 tr/min ; Transmission : Propulsion ; Boîte de vitesses : Manuelle 5 rapports.
Poids et performances : 1300 kg ; Vitesse maximale : 262 km/h ; Accélération : 0 à 100 km/h en 5,6 s.
Châssis – Carrosserie : Coupé 2 portes ; Châssis : Monocoque en acier Coupé 2 portes.
Suspensions : Triangles superposés ; Ressorts hélicoïdaux ; Amortisseurs hydrauliques.
Direction : À crémaillère.
Freins : Disques ventilés.
Dimensions : Longueur : 4359 mm ; Largeur : 1824 mm ; Hauteur : 1138 mm ; Empattement : 2560 mm.

Prix du modèle en 1979 : 310.000 F soit 163.754 € avec 246% d’inflation.

Côte collection : à partir de 300.000 €.

Album – Pat Benatar – In The Heat of The Night (1979)

Pat Benatar est une chanteuse américaine de rock, auteur-compositrice quatre fois lauréate d’un Grammy Award. Deux de ses albums furent certifiés multi-platine par la RIAA, cinq autres platine, et trois albums or; en outre, quinze de ses singles furent classés dans le Billboard Top 40, parmi lesquels, « Hit Me With Your Best Shot », « Love is a Battlefield », « We Belong », et « Invincible » culminèrent dans le Top 10.

Pat Benatar (Patricia Mae Andrzejewski) est née à Brooklin, en 1950, et elle tient sûrement de sa mère qui fut chanteuse à l’opéra de New York, puisqu’avec sa voix couvrant quatre octaves, elle prépare à 17 ans la Juilliard School of Music. Mais ne supportant pas la discipline, elle abandonne l’opéra pour convoler en justes noces avec un de ses anciens copains de classe, Dennis Benatar. La vie plan-plan en Virginie ne lui réussissant pas trop, elle le quitte et se fait engager dans un cabaret new-yorkais, le Catch a rising star où elle chante tous les soirs. Deux ans plus tard, son manager Rick Newman lui fait signer un contrat chez Chrisalys.

Trois albums remarquables :

In the Heat of the Night (1979) : Avec ce premier album, Pat Benantar introduit un peu de sensualité dans le monde très macho du rock. Ses histoires parlent d’amour, mais à la manière des années 80, s’est à dire d’une façon libérée, avec une voix chaude, sexy et sur des musiques bien charpentées. L’album, qui est produit par Mike Chapmann, inclut les singles « I need a lover », chanson reprise de John Mellencamp, et les hits singles « Heartbreaker » et « We live for love ». Aux U.S.A. l’album a atteint la 12ème position au Billboard et fut certifié disque de platine par la RIAA en décembre 1980 ; en France, l’album s’est classé 20ème et est resté 24 semaines dans les charts.

Get Nervous (1982) : est le quatrième album studio de Pat Benatar. L’album a culminé à la 4ème position au Billboard U.S. et fut certifié disque de platine aux États-Unis en mars 1983. En France, l’album s’est classé 14e et est resté 45 semaines dans les charts. Trois titres ont été choisis pour une édition en single, et tous, ont atteint le Top 40 des charts américains. « Shadows of the Night » s’est classé à la 13ème position au Billboard Hot 100, « Little Too Late » à la 20e position et Looking for a Stranger à la 39ème position. En 1982, Pat Benatar remporte son 3e Grammy Award, toujours dans la catégorie Meilleure chanteuse rock, grâce au single « Shadows of the Night ». C’est le premier album de Pat Benatar sur lequel Charlie Giordano joue aux claviers, alors que le guitariste Scott St. Clair Sheets a quitté la formation après l’album précédent, Precious Time.

Tropico (1984) : est le cinquième album studio de Pat Benatar. C’est le premier album à présenter le bassiste de John Waite, Donnie Nossov, qui a remplacé Roger Capps dans le groupe de Benatar. L’album a culminé à la 14ème place au Billboard 200, et a produit le Top Five Pop primé au grammy award « We Belong ». L’album inclue aussi « Painted Desert », « Outlaw Blues » et « Ooh Ooh Song » (également un hit du Top 40). Tropico fut le sixième album consécutif de Pat Benatar certifié Platine aux États-Unis. Au cours du tournage de la vidéo pour le single « Painted Desert », Pat Benatar et son mari, Neil Giraldo, ont découvert qu’ils attendaient leur premier enfant. Cet album est la première tentative de Benatar et Giraldo de s’éloigner du célèbre son « hard rock » et où ils commencent à expérimenter de nouveaux styles et sons « plus doux ».

Discographie :

1979 : In the Heat of the Night
1980 : Crimes of Passion
1981 : Precious Time
1982 : Get Nervous
1984 : Tropico
1985 : Seven the Hard Way
1988 : Wide Awake in Dreamland
1991 : True Love
1993 : Gravity’s Rainbow
2003 : Go

Voir sur YouTube : « Pat Benatar « HEARTBREAKER » Live » par Markis Anthony ; « Pat Benatar – Love Is A Battlefield » ; « Pat Benatar – Anxiety (Get Nervous) » ; « Pat Benatar – Painted Desert » ; « Pat Benatar – Precious Time » et « Pat Benatar – Shadows Of The Night » par PatBenatarVEVO

Émission TV – Numéro 1 (1975-82)

Les époux Carpentier, Maritie (1921-2002) et Gilbert (1920-2000), produisaient des émissions de variété, radiodiffusées, puis télévisées dès 1960, qui furent très populaires dans la Francophonie des années 1950 aux années 1990. L’une de leurs dernières, Numéro 1, qui fut diffusée sur TF1 de 1975 à 1982, n’était pas présentée par des animateurs mais par les chanteurs eux-mêmes, et fut l’occasion de duos de stars de la chanson française de l’époque.

La radio (1950-60) :

À partir des années 1950, Maritie et Gilbert Carpentier se voient confier la réalisation de plusieurs émissions radiodiffusées, qui deviennent vite populaires. Sur Radio Luxembourg, ils ont la responsabilité de six émissions : « L’heure musicale », « Le Club des Vedettes » (animé par Maurice Biraud), « Musique à la Clay » (présentée par Philippe Clay), « Les contes de l’aigle », « L’heure exquise » (animée par Anne-Marie Carrière) et « Le miroir aux Étoiles » animé chaque dimanche par un artiste différent.

La TV (1960-1989) :

À partir de 1960, après une proposition du directeur des variétés de l’ORTF, Maritie et Gilbert Carpentier se tournent vers la télévision. Ils créent d’abord des émissions avec leurs amis Roger Pierre et Jean-Marc Thibault, tournées en direct et diffusées sur l’ORTF. L’année suivante, en 1961, ils créent une émission régulière, La Grande Farandole, qui durera jusqu’en 1967. De nombreux amis les rejoignent alors, parmi lesquels Jean Poiret, Michel Serrault, Jacqueline Maillan et Jean-Claude Brialy. Pour bon nombre d’entre eux, c’est le point de départ d’une carrière nationale. À partir de 1963, il conçoivent les émissions Sacha Show, où Sacha Distel fait office de présentateur de variétés. Les Sacha Show deviennent vite très populaires et seront diffusées pendant huit ans.

Les années 1970 leur sont prolifiques. Après des spectacles ponctuels rencontrant toujours le succès, ils créent en 1972 une émission télévisée hebdomadaire à grand spectacle : les Top à…, inspirée des émissions américaines de variété et diffusée sur la deuxième chaîne de l’ORTF. Les Top à… sont consacrés chaque semaine à un invité différent, autour duquel amis et artistes se succèdent pour chanter, danser et jouer la comédie. Les sketches et chansons interprétés sur le plateau sont souvent des inédits écrits spécialement pour l’occasion, parfois par Maritie Carpentier elle-même, ou par leurs amis Jean-Jacques Debout, Serge Gainsbourg ou Michel Berger.

Numéro 1 (1975-82) :

Numéro un est une émission télévisée française de variétés créée par Maritie et Gilbert Carpentier, et diffusée dans différents pays francophones de 1975 à 1982. En France, l’émission était diffusée en soirée, sur TF1. Chacune mettait en valeur un artiste différent, certaines dans de véritables comédies musicales écrites spécialement pour l’occasion.

Remplaçant Top à… à la suite de la dissolution de l’ORTF fin 1974, elle a été suivie par dans l’esprit de leur précédente émission par Formule un entre 1982 et 1985. Certaines de ces émissions sont régulièrement rediffusées sur Melody TV et sur Paris Première.

Le concept :

L’originalité de ces émissions consistait dans le fait qu’elles n’étaient pas présentées par des animateurs mais par les chanteurs eux-mêmes. Maritie et Gilbert Carpentier avaient déjà expérimenté la formule avec Sacha Distel dans le Sacha Show de 1963 à 1971. Certaines vedettes à qui ils consacrent un Numéro un feront par la suite une carrière d’animateur à part entière, tels Karen Cheryl, qui présentera plusieurs émissions ensuite dont Vitamine en 1985 et Hugo Délire en 1992, ou Dave.

Les émissions Top à… et Numéro 1 réunissaient certaines semaines plus de 15 millions de téléspectateurs devant le petit écran et ont été diffusées dans 36 pays à travers le monde. Elles contribueront pour beaucoup à la popularité d’artistes tels que Charles Aznavour, Gilbert Bécaud, Jane Birkin, Georges Brassens, Petula Clark, Dalida, Joe Dassin, Carlos, Sacha Distel, Jacques Dutronc, Claude François, Serge Gainsbourg, France Gall, Chantal Goya, Johnny Hallyday, Serge Lama, Thierry Le Luron, Mireille Mathieu, Nana Mouskouri, Eddy Mitchell, Michel Sardou, Sheila, Alain Souchon ou Sylvie Vartan, entre autres.

La fin d’une époque (1983-90) :

À partir du milieu des années 1980, la recomposition du paysage audiovisuel français, sa privatisation partielle et la nouvelle pression de l’audimat ne leur permettent plus de continuer des séries d’émissions hebdomadaires sur la première chaîne. Ils créent alors des émissions ponctuelles sur différentes chaînes pour des occasions spéciales (Elsa sous la neige, Patricia Kaas la voix de l’année, hommages à Dalida ou Claude François…). Durant l’été 1985 toutefois, ils créent la série Chapeau, et, de 1986 à 1989, la série Embarquement immédiat, des émissions de variété tournées à l’étranger, en extérieur, et diffusées régulièrement sur FR3 (aujourd’hui France 3).

En 1996, un hommage télévisuel leur est consacré, Top à… Maritie et Gilbert Carpentier, diffusé sur TF1 et présenté par Christophe Dechavanne. Ce sera la dernière et l’une de leurs rares apparitions télévisuelles. En 1998 ils produisent leur dernière émission avec un Show : Mes amis mes amours….mes emmerdes pour France 2.

Source

Voir sur YouTube : « INA | Duos de stars chez les Carpentier, la compil (1ère partie) » et « INA | Duos de stars chez les Carpentier, la compil (2ème partie) » par Ina Chansons