Hifi Vintage – JBL Everest (1985-89)

En 1985, le Projet Everest fut l’apothéose des plus belles réalisations de JBL et obtint un succès remarquable. Cette enceinte était une réussite visuelle et sonore, digne héritière des célèbres JBL Hartsfield et Paragon, ainsi que l’aboutissement d’un projet censé être “le sommet absolu de toutes les innovations technologiques, matérielles et techniques disponibles dans le domaine de l’art et de la science de l’audio à cette époque”.

L’Everest fut conçue par Bruce Scrogin, alors président de JBL International. Après la fin de la production du modèle JBL Paragon en 1983, le manager s’était rendu compte qu’il restait de la demande pour une enceinte de prestige. Cette demande provenait presque exclusivement du Japon où résident les plus exigeants (et fortunés) des audiophiles. Il fut donc décidé de donner une suite à la Paragon qui ciblait déjà ce marché. Le développement du projet fut entrepris par Bruce Srogin qui pris sa tête, Greg Timbers s’occupa de l’ingénierie et Dan Ashcraft du design industriel. Pour fournir des informations sur les exigences uniques du marché japonais, Keizo Yamanaka, un critique audio japonais réputé, fut embauché comme consultant par JBL dans les domaines acoustiques et cosmétiques.

Le projet :

La conception de l’Everest subit une évolution assez poussée avant d’arriver à sa configuration finale. A l’origine, le concept était de développer une “super L300” avec un caractère sonore similaire. Le système serait conçu autour d’un nouveau concept acoustique appelé «Directivité définie» (le DD dans DD55000). Ce concept mis au point par Don Keele pour la 4660, permettait à une personne marchant sur une ligne horizontale entre les haut-parleurs d’être exposée à un niveau sonore constant.

Le premier prototype qui fut développé en 1984 avait une configuration à quatre voies. De nombreux problèmes existaient dans ce prototype liés à l’intégration des quatre transducteurs. Il fut décidé de simplifier la conception du modèle pour aboutir à ce qui serait fondamentalement un modèle à deux voies. Un super tweeter serait ajouté plus tard pour fournir une extension dans les octaves les plus élevés. Par conséquent, la configuration finale se transforma en un système à trois voies.

Les Haut-Parleurs : 

Le haut-parleur de grave sélectionné pour l’Everest fut le transducteur professionnel E145 (150-4H en version grand public). Il fut choisi parce que c’était à l’époque, le haut-parleur de basse le plus “rapide” de l’inventaire de JBL. Bien qu’initialement conçu comme un haut-parleur pour guitare de basse, il est remarquablement plat bien que doté d’une topologie de bobine mobile suspendue qui maintient l’action du piston sur toute sa plage grâce à un cône profond et droit. Le moteur magnétique est surdimensionné par rapport aux autres haut-parleurs JBL de 15 pouces, et il en résulte une réponse des graves très efficace de 100 dB/1w/1m.

Normalement, la réponse dans les basses du E145 est considérée comme étant quelque peu limitée, mais étant donné que ce dernier chargeait un caisson suffisamment volumineux, il pouvait fournir de vraies basses profondes. C’était la raison du volume impressionnant de cette enceinte. La section basse a été conçue pour un volume interne de 2,4 mètres cubes. Initialement, il était prévu que le volume derrière le pavillon médium puisse être utilisé dans le cadre du caisson de grave. Cependant, la trompe en fibre de verre n’était pas suffisamment rigide pour empêcher les résonances de la contre-pression. En fin de compte, cette partie de l’enceinte fut cloisonnée ce qui augmenta l’encombrement de l’Everest (Poids en kg : 145, H.L.P. en cm : 141x92x51).

L’Everest utilise une compression de 1 pouce (la 2425H) fixée au pavillon asymétrique (modèle 2346) pour les médiums-aigus. Un haut-parleur d’un pouce a été choisi, le pavillon d’origine équipant aussi le modèle 4660 ayant été conçu pour cet haut-parleur. Une compression de deux pouces aurait pu fournir une meilleure réponse, mais la gorge plus grande aurait présenté des problèmes de contrôle du modèle. Un tweeter 2405 fut ajouté pour une meilleure réponse dans le spectre extrême de la haute fréquence.

Une écoute sur mesure pour les japonais : 

L’ensemble du système avait une empreinte sonore spécifique visant à séduire le marché japonais, c’est à dire, une réponse dans les graves légèrement atténuée dans l’octave la plus basse alors que normalement, on s’attend à ce que, sur des réalisations très haut de gamme, les basses restent linéaires (la pente est bien visible sur la brochure technique ci-dessous). Ce n’est pas censé être une caractéristique euphonique, mais plutôt convenir à l’ergonomie des salles d’écoute japonaises typiques. Leurs plus petites pièces, par rapport à l’Amérique du Nord, ont tendance à favoriser les graves. Donc, gare aux mauvaises surprises si l’enceinte est mal placée dans une trop grande pièce, impliquant une possible sensation d’anémie dans l’extrême grave…

Une réussite primée :

Dan Ashcraft de Ashcraft Designs, avec la contribution de Bruce Scrogin et Keizo Yamanaka, donna une magnifique cosmétique à l’Everest qui est particulièrement réussie. Cette première commande de JBL fut une épreuve par le feu qu’il réussit admirablement. C’était une conception très compliquée car l’objectif était de rendre ce système massif visuellement moins imposant. L’utilisation inventive de faces inclinées a volontairement masqué la profondeur de ce système. Le woofer a été légèrement incliné pour “tricher” sur la directivité des basses fréquences et le super tweeter a été délibérément orienté pour viser la position d’écoute centrale en raison de sa directivité.

L’Everest eût un succès immédiat. Le magazine japonais Stereo Sound lui donna le titre prestigieux de “Produit de l’année” en 1985. Il n’y a pas eu de cycle de production prédéterminé, mais on pense qu’environ 500 paires ont été produites régulièrement jusqu’à l’introduction de la JBL K2 en 1989. Cependant, il resta encore possible de commander l’Everest jusqu’en 1991. L’enceinte fut vendue essentiellement au Japon, marché pour lequel elle était destinée, mais un nombre honorable de modèles furent écoulés aux USA et en Europe, notamment en France.

Prix du modèle neuf en 1986 (l’unité) : 4995 $

Prix d’occasion : entre 7000 € et 10.000 € la paire.

Disque – Indochine – 3 (1985)

Banlieue sud à l’aube de 1980, une petite annonce passé dans Rock & Folk pour le groupe Les Espions va être le début d’une grande aventure musicale. Un certain Dominik Nicolas débarque pour une audition comme guitariste. Finalement, il est pris comme bassiste. Nicolas Sirkis quand à lui deviendra chanteur. Et puis, petit à petit, Nicolas et Dominik deviennent amis et finissent par quitter le groupe. Ils recrutent un saxo débutant, Dimitri Bodianski. Indochine est né. Premier concert au Rose Bonbon, fameux night-club parisien. Dans la foulée, premier 45 tours “Dizzidence politik” en 1982. Puis arrive le quatrième laron, Stéphane, le frère jumeau de Nicolas, qui de guitariste passe aux synthétiseurs. L’étape suivante, c’est le premier album. On y trouve “L’Aventurier”, le tube de l’été 1983. En 1985, ceux qui attendaient le groupe au tournant en sont pour leur frais. Désormais Indochine est un groupe à succès. L’abum 3 est celui qui assoit définitivement la réputation du groupe en tête de la Pop française avec les singles “3ème Sexe” et “Tes Yeux Noirs”.

Quelques albums remarquables : 

3 (1985) : est le troisième album studio d’Indochine, sorti en 1985. Présenté par les médias de l’époque comme l’album de la maturité, il marque la première évolution musicale du groupe à travers des textes qui abordent de nouveaux thèmes, jugés plus sérieux. En termes de succès populaire, 3 est aussi l’album de la consécration, toute une génération reprenant en chœur les titres phares qui le composent : “3e sexe” est un hymne à la tolérance vestimentaire ou sexuelle, au droit à la différence, et devient le deuxième énorme tube du groupe. “Canary Bay” aborde le thème de l’homosexualité féminine. “Trois nuits par semaine” est directement inspiré du roman à forte connotation érotique et sensuelle L’Amant de Marguerite Duras. “Tes yeux noirs” est une chanson sur la séparation amoureuse et le désir de l’autre. 

Après une première apparition dans les charts en 1985, l’album atteint la deuxième place du Top 20 en mai 1986 et sera certifié double disque de platine en octobre de la même année. À ce jour, plus de 800.000 exemplaires ont été vendus en France. Il a également été distribué en Belgique, en Suisse, en Allemagne, au Canada, au Danemark et en Suède.

Paradize (2002) : Le 9e album studio d’Indochine est souvent considéré comme l’album du renouveau de la carrière d’Indochine. Nicola Sirkis explore ses thèmes de prédilection depuis les débuts d’Indochine : le sexe, la religion, le mal-être adolescent ou encore ici le décès de son frère jumeau Stéphane Sirkis (Electrastar). Le single “J’ai demandé à la lune”, devenu un morceau mythique du groupe et incontournable en concert, a été écrit et composé par Mickael Furnon, du groupe Mickey 3D.

L’album s’est vendu à environ 1,5 million d’exemplaires, ce qui a fait renouer le groupe avec le succès après une “traversée du désert” durant les années 90.

13 (2017) : est le treizième album studio du groupe français Indochine. Son premier single est “La vie est belle”. Il est disponible en plusieurs formats notamment le disque compact, le vinyl et même la cassette audio. Sur la pochette du disque, réalisée par le photographe néerlandais Erwin Olaf, figurent 13 jeunes filles disposées sur deux rangées. Le cliché compose une photo de classe fictive sur laquelle les élèves portent des uniformes colorés imaginaires, certains arborant aussi des écharpes-drapeaux. L’esthétique de l’album est notamment inspirée des tableaux du peintre Henry Darger. “Un été français” est le deuxième single d’Indochine qui est lui aussi disponible dans plusieurs formats (CD, Vinyl et K7 audio). Cette chanson évoque principalement la montée du Front national dans les sondages, et son passage au second tour de l’élection présidentielle 2017. Le clip a été tourné sur le toit de l’Arche de la Défense.

Discographie : 

1982 : L’Aventurier
1983 : Le Péril jaune
1985 : 3 (820.000 ventes)
1987 : 7000 danses
1990 : Le Baiser
1993 : Un jour dans notre vie
1996 : Wax
1999 : Dancetaria
2002 : Paradize 
2005 : Alice & June
2009 : La République des Meteors
2013 : Black City Parade
2017 : 13

Voir sur YouTube : “Indochine – 3e sexe (Clip officiel)” ; Indochine – Tes yeux noirs (Clip officiel) ; Indochine – L’aventurier (Clip officiel) ; Indochine – Des fleurs pour Salinger (Clip officiel) ; Indochine – J’ai demandé à la lune (Clip officiel) ; Indochine – Savoure le rouge (Clip officiel) ; Indochine – Un été français (Clip officiel) par Indochine officiel

Film – Police Fédérale Los Angeles (1985)

Richard Chance (William L. Petersen) et Jimmy Hart (Michael Greene) sont des agents du F.B.I. bossant au bureau de Los Angeles à la section contrefaçon. Chance a une réputation de tête brûlée, alors que Hart se la joue tranquille à seulement trois jours de la retraite. Hart enquête sans son coéquipier dans un entrepôt situé dans le désert, qu’il suppose être une imprimerie du faux-monnayeur Rick Masters (Willem Dafoe). Après que Hart se soit fait tuer par Masters et Jack, son garde du corps, Chance explique à son nouveau partenaire, John Vukovich (John Pankow), qu’il veut faire tomber Rick Masters quoi qu’il arrive.

Les deux agents tentent d’obtenir des informations sur Rick Masters en mettant sous surveillance un de ses associés criminels, l’avocat Max Waxman. Vukovich trop fatigué s’endort dans sa planque, et par suite, ils échouent à coincer Masters en train d’assassiner Waxman (Christopher Allport). Alors que Vukovich veut respecter la procédure, Chance devient de plus en plus imprudent et bafoue l’éthique dans son obstination à stopper Masters. Grâce à son informatrice et amante Ruth Lanier (Darlanne Fluegel), Vukovich rencontre en privé l’avocat de Masters, Bob Grimes (Dean Stockwell). Grimes, reconnait un conflit d’intérêts potentiel qui pourrait ruiner sa pratique juridique, et accepte de mettre en place une réunion entre son client et les deux agents, qui engagent Masters en se faisant passer pour des banquiers corrompus de Palm Springs intéressés par ses services de contrefacteur. Masters est réticent à travailler avec eux, mais accepte finalement d’imprimer pour 1.000.000 $ de faux billets.

À son tour, Masters exige 30.000 $ d’acompte pour imprimer la fausse monnaie, soit trois fois la limite autorisée par l’agence fédérale. Pour obtenir l’argent, Chance persuade Vukovich de l’aider à voler Thomas Ling, un homme connu de son informatrice Ruth comme disposant de 50.000 $ de cash pour acheter des diamants volés. Chance et Vukovich interceptent Ling à la gare et s’emparent de l’argent dans une zone industrielle. Mais l’affaire tourne mal, et Ling qui est un agent infiltré, se fait tirer accidentellement dessus par son équipe de couverture. Chance et Vukovich tentent de leur échapper à travers une course poursuite épique…

Réalisation et anecdotes :

Le réalisateur William Friedkin (déjà connu pour ses films L’Exorciste ou French Connection) a reçu le roman de Gerald Petievich sous forme de manuscrit et l’a trouvé très authentique. Petievich est un ancien agent des services secrets et il apparaît dans un caméo en tant qu’agent du FBI. Le cinéaste était également fasciné par la “nature absolument surréaliste” du travail d’un agent secret à Washington DC. Friedkin avait un budget relativement faible de 6 millions de dollars pour le film, aussi, les acteurs et l’équipe furent obligés de travailler pour des salaires relativement bas. En conséquence, le film ne put bénéficier d’aucune star.

Friedkin a tout filmé sur place et a travaillé rapidement, utilisant souvent la première prise pour donner un sentiment d’immédiateté. Il n’aimait pas les répétitions, aussi, il créait des situations où les acteurs pensaient répéter une scène alors qu’en fait, il tournait pour de bon. La scène pendant laquelle Petersen court entre les tapis roulants du terminal de l’aéroport international de Los Angeles a causé des problèmes entre le cinéaste et la police de l’aéroport. L’aéroport avait interdit cette scène, principalement pour la sécurité de Petersen, car ils estimaient que leur assurance ne l’aurait pas couvert s’il s’était blessé. L’acteur a dit à Friedkin qu’ils devraient tourner la scène de toute façon, alors le réalisateur a proposé qu’ils simulent une répétition alors que les caméras tournaient la scène ; bien que la pilule fut difficile à avaler par les responsables de l’aéroport, la prise était dans la boîte.

La fabrication de fausse monnaie a l’air authentique parce que Friedkin a consulté des contrefacteurs réels. Le “consultant” a réalisé les scènes qui ne montrent pas l’acteur Willem Dafoe à la caméra pour donner plus d’authenticité à cette séquence, même si l’acteur a appris à imprimer des faux Dollars. Plus d’un million de faux billets furent imprimés mais avec trois erreurs délibérées de sorte qu’ils ne pourraient pas être utilisés en dehors du film. Les cinéastes brûlèrent la plus grande partie de la fausse monnaie mais certains exemplaires échappèrent à la destruction, et furent utilisés à leur insu. Le fils d’un des membres de l’équipe essaya d’utiliser une partie de l’argent pour acheter des bonbons dans un magasin local et il fut arrêté. Trois agents du FBI de Washington interrogèrent les membres de l’équipe chargés du travail d’impression des faux billets ainsi que le réalisateur. Vu la dimension que prenait l’affaire, Friedkin offrit de montrer le film au secrétaire du Trésor et de retirer tout ce qui représentait un danger pour la sécurité nationale. Mais l’affaire se tassa et ce fut la dernière fois qu’il entendit parler des services du gouvernement.

La poursuite en voiture à contre-sens sur une partie d’autoroute de Los Angeles a été l’une des dernières scènes tournées dans le film et il a fallu six semaines pour la réaliser. À ce stade, Friedkin travaillait avec une équipe très dépouillée. Il a eu l’idée d’organiser une poursuite à contre-sens le 25 février 1963 alors qu’il rentrait chez lui après un mariage à Chicago. Il s’était assoupi au volant et avait retrouvé sa vigilance alors qu’il s’était engagé sur la mauvaise voie avec le trafic venant en sens inverse se dirigeant directement vers lui. Il s’est rabattu sur le côté et a reculé ; pendant les 20 années suivantes, il s’est demandé comment il allait utiliser cet évènement périlleux de sa vie dans un film. Pour live and die in LA, il a déclaré au coordinateur de cascades Buddy Joe Hooker que s’il pouvait réaliser une poursuite mieux que celle du film The French Connection (qu’il avait tourné en 1971), il était preneur. Sinon, il ne l’utiliserait pas.

Petersen a fait beaucoup de séances de conduite sans doublure au cours de cette séquence et les réactions stressées de l’acteur John Pankow étaient réelles. Trois week-ends ont été consacrés au tournage sur des tronçons de l’autoroute de Terminal Island près de Wilmington, en Californie, qui ont été fermés pendant quatre heures pour permettre à l’équipe d’organiser la poursuite chaotique. Pour ajouter à la sensation oppressante de la poursuite, Friedkin l’a mis en scène sur un tronçon où le flux de la circulation autoroutière est inversé (comme si on se trouvait au Royaume-Unis) puisqu’elle se déroule sur la voie droite de l’autoroute à contre-sens, et non sur la voie gauche.

Musique du film :

Selon Friedkin, la raison principale pour laquelle il a choisi Wang Chung pour composer la bande originale était parce que le groupe “se démarquait du reste de la musique contemporaine. […] Ce qu’ils ont finalement enregistré n’a pas seulement amélioré le film, mais lui a donné de la profondeur et une dimension plus puissante”. Après avoir écouté l’album précédent du groupe, Points on the Curve, Friedklin décida que Wang Chung composerait l’intégralité de la partition musicale de son film. Mais il appréciait tellement l’album qu’il y puisa une des chansons, “Wait”, afin de l’utiliser dans le cadre de la bande-son. “Wait” apparaît à la fin du film. Les chansons de la bande-son, à l’exclusion de la chanson titre et de “Wait”, ont été écrites et enregistrées en deux semaines. Ce n’est qu’après que Wang Chung ait vu une ébauche du film que le groupe produisit la chanson-titre.

Voir sur YouTube et Dailymotion : “Police fédérale Los Angeles (1985) Bande annonce française” par Otto Rivers ; “Police Fédérale Los Angeles” courses poursuites par DIRECTVISION1

Série TV – Magnum (1980-88)

Origine et production :

Magnum est une série télévisée américaine en 162 épisodes de 50 minutes, créée par Glen A. Larson et Donald P. Bellisario et diffusée entre le 11 décembre 1980 et le 1er mai 1988 sur le réseau CBS.

En France, la série a été diffusée à partir du 13 décembre 1981 dans le cadre de l’émission Dimanche Martin sur Antenne 2. Rediffusion et épisodes inédits en 1988 sur M6. Rediffusion sur TF1, puis sur France 3, sur France 4, 13ème rue, Comédie+ et sur Jimmy, ainsi qu’au Québec sur le réseau TVA.

L’Histoire : 

Ancien combattant de la guerre du Viêt Nam puis lieutenant dans l’Office of Naval Intelligence, Thomas Magnum s’occupe désormais de la sécurité d’une des propriétés du célèbre écrivain de polars Robin Masters située à Oahu dans l’archipel d’Hawaï. C’est à la suite d’un pari perdu que l’auteur à succès a laissé à Magnum la jouissance de sa maison d’amis et de sa Ferrari, à la condition qu’il assure la sécurité de sa résidence.

Magnum partage le domaine avec Jonathan Quayle Higgins, un majordome britannique rigide, ancien soldat de l’armée des Indes. Higgins supporte mal la décontraction de Magnum et lui rend la vie difficile avec ses deux dobermans, Zeus et Apollon.

Magnum travaille désormais comme détective privé. Il fait souvent appel à ses amis Terry et Rick, eux aussi vétérans du Viêt Nam. Terry est un pilote d’hélicoptère reconverti dans le tourisme aérien, et Rick est devenu gérant d’un club sélect situé en bord de mer, le King Kamehameha.

Distribution :

Tom Selleck : Thomas Sullivan Magnum
John Hillerman : Jonathan Quayle Higgins
Larry Manetti : Orville « Rick » Wright
Roger E. Mosley : Théodore « Terry » Calvin

Source

Voir sur Dailymotion : “Magnum le commencement” par Bruce Willis

Sono Vintage – Deux légendes des années 80 : Les Urei 1620 & Technics SL-1200 MK2

Au début des années 80, alors que la House music devenait populaire dans les clubs Américain de la côte Est des Etat Unis tels que les légendaires Paradise Garage et Club 54, la Urei 1620 était la meilleure table de mixage que les discothèques pouvaient s’offrir et les DJs hip-hop, inspirés par les premières expériences des DJ Kool Herc et Grandmaster Flash s’en équipèrent. Complément indispensable pour les DJs, les deux platines disques qui allaient avec, étaient les légendaires platines disque Technics 1200 SL-MK2. Aujourd’hui, vous pourriez penser que ces appareils sont des pièces de musée, mais c’est loin d’être le cas, puisque ces deux bijoux de la technologie audio n’ont cessé leur carrière que très récemment (en 2010 autant pour la Urei 1620 que pour la Technics 1200, puisqu’un clone de la table de mixage Urei fut réédité en édition limité par la société Soundcraft en 2005; quant à la Technics 1200, celle-ci fit allègrement ses 38 ans de carrière pratiquement sans aucune modification!).

La table de mixage Urei 1620 L.E. :

Urei 1620 LE (2005-2010)

Cette réédition à tirage restreint (L.E. signifie Limited Edition) épuisée dès 2010, resta fidèle à la conception originale autant pour la cosmétique que pour la qualité sonore. Après la disparition de la 1620, à la fin des années 80, le manque était tel que certains passionné l’ont fabriqué en dénichant l’ensemble des composants aux quatre coins du monde. Un modèle comparable a même été proposé par Bozak, un autre fabriquant US. Malgré son superbe look rétro, le mélangeur était conçu spécifiquement pour les installations modernes , et même s’il n’avait pas les gadgets modernes qu’utilisent les DJ d’aujourd’hui, elle était pourvue exactement des commandes nécessaire à l’animation. La plupart des consoles de DJ actuelles sont équipées de potentiomètres linéaires, mais une large tendance au retour du rotatif s’est fait sentir depuis l’avènement du rétro, procurant une plus grande précision de réglage à en croire les professionnels. En outre, ils occupent moins de surface en façade ce qui en fait des appareils compacts.

Caractéristiques : Soundcraft a repris le look d’origine, mais en version noir anodisé seulement. Les boutons de mixage, plus importants que les autres, ont un ergot indiquant leur position, même au toucher. Ceux de la balance reçoivent un petit rond bien marqué. Le mélangeur au format rack 19 pouces s’utilise aussi bien à plat que verticalement. Les deux premières voies se consacrent exclusivement au vinyle. Les quatre autres se commutent sur leurs entrées dédiées ou sur l’une des cinq entrées auxiliaires complémentaires. Seule la dernière reçoit un préampli micro mais les trois autres peuvent recevoir une tranche Phono ou micro commutable qui se déniche encore sur ebay à 100 € pièce tout de même. Enfin, l’étage de sortie est équipé de deux voies réglables (House et Booth), d’une péécoute complète (et commutable en écoute programme grâce à une bascule à Led bi-colore) et d’un double réglage de tonalité sur chaque voie.

La console Urei 1620 était vendu 3000 $ en 1980, et la 1620 L.E., 1690 € en 2005.

La platine disque Technics SL-1200 MK2 : 

Technics SL-1200 MK2 (1978-2010)

Dès son lancement, la Technics SL-1200MK2 devint la platine vinyle de référence des clubs et discothèques et même des radios FM. MK2 signifie “Mark 2”, qui désigne l’évolution de la première Technics SL-1200 fabriquée en octobre 1972. La MK2, conçue en 1978, reçut de nombreuses améliorations, notamment au niveau du moteur et du châssis. Depuis 1972, plus de 3 millions d’exemplaires ont été vendus. Elle est considérée comme étant la plus solide des platines jamais produites, à tel point que la plupart des unités fabriquées dans les années 1970 sont encore largement utilisées de nos jours. La qualité sonore non plus n’était pas en reste, puisque les platines actuelles n’ont pas un meilleur rapport signal sur bruit.

Caractéristiques : Ses spécificités l’ont rendue célèbre : Éclairage de stroboscope combiné à l’interrupteur général, large touche marche/arrêt, une touche pour chaque vitesse, éclairage de pointe télescopique et curseur de réglage de vitesse linéaire doux à manipuler permettant d’augmenter ou de diminuer la vitesse de rotation des disques de 8% .  Le verrou à Quartz se situe en position centrale, marqué par un cran et l’allumage d’une Led verte. La base est moulée dans un matériau synthétique à charge minérale et recouvert d’un épais rembourrage de caoutchouc fait pour absorber les vibrations parasites. La partie supérieure du châssis est structurée dans un alliage métallique très rigide argenté ou noir anodisé en option. Quatre pieds réglables en hauteur servent d’amortisseur. Les bras de lecture en S est un modèle du genre. Technics le complète d’un prolongateur arrière qui permet de compenser la masse des cellules de sonorisation professionnelles permettant la lecture avant et arrière (telles les Shure SC-35 C ou les Ortofon Concorde DJ PRO) qui réclament un contrepoids de plus de 3 grammes ; il ne faut pas oublier que cette platine était à l’origine destinée à la Hi-Fi avec un rapport signal/bruit exceptionnel de 79 db bien au delà du seul auditif. Par contre, la compensation antiskating n’est pas réglable au delà de 3 grammes; mais cella ne pose pas de problème. Le bras ne souffre d’aucun jeu et s’ajuste en hauteur via une couronne verrouillable et graduée. Le plateau très lourd comprend un aimant solidaire, l’entraînement étant direct. Des graduations rondes usinées dans la masse sont présentes sur la circonférence du plateau et permettent de contrôler la vitesse sélectionnée grâce au principe du stroboscope flashant ici à la fréquence du secteur (50 hz). On remarquera que la même graduation (la plus grosse) fait office de repère pour le réglage de la vitesse autant en 33 qu’en 45 tours, ce qui est une prouesse remarquable relevée par les ingénieurs de Technics. De plus, lorsque le quartz est vérouillé, le point repère reste centré dans le temps ce qui confirme l’extraordinaire régularité de cette platine. Enfin, le démarrage est très rapide (moins d’une seconde) ce qui permet de piloter le Start and Stop depuis le fader d’une table de mixage moyennant un petit bidouillage électronique (détail très utile autant pour les radios que pour les discothèques).

Ce matériel n’est plus produit depuis 2010 mais Technics n’a pas résisté aux sirènes du vintage et la réédité depuis quelques mois au prix de 2222 € (plus de trois fois plus cher qu’en 2010!) Il est vrai que quand on aime, on ne compte pas.

Photo haut de page : Rotary Dreams

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