Catégorie : 1973

Les Carpenters étaient un duo vocal et instrumental américain composé de Richard et Karen Carpenter, qui sont frère et sœur. Avec leur style musical agréable et doux, ils sont devenus l’un des groupe musical les plus vendus de tous les temps. Au cours de leur carrière de 14 ans, les Carpenters ont enregistré 11 albums, 31 singles, cinq émissions télévisées et une série télévisée de courte durée. Leur carrière s’est terminée en 1983 par la mort de Karen des suites d’une insuffisance cardiaque provoquée par des complications de l’anorexie. Une vaste couverture médiatique entourant les circonstances de son décès a permis de sensibiliser le public aux troubles de l’alimentation.

Le duo de pop mélodique a produit une série d’enregistrements à succès sur les charts américains classés au Top 40, et ils sont devenus le groupe Soft Rock le plus célèbre aux U.S.A. Les Carpenters ont obtenu trois singles n° 1 et cinq n° 2 sur le Billboard Hot 100 ainsi que quinze hits n° 1 sur dans les charts Americains. De plus, ils ont eu douze top 10 singles classés. À ce jour, les ventes individuelles cumulées d’albums et de singles des Carpenters dépassent les 100.000.000 d’exemplaires.

Richard Carpenter était la force créatrice derrière le son des Carpenters. Dans une période où la musique était dominée par le rock, ses harmonies n’étaient pas en phase avec les tendances du moment. Le son des Carpenters était riche et mélodique, dans la même veine que les harmonies de leurs contemporains The Beach Boys et The Mamas & the Papas, mais avec une plus grande plénitude et une belle orchestration. La plupart des arrangements de Richard étaient de style classique, avec l’utilisation fréquente d’instruments à cordes et occasionnellement des cuivres et des bois. Le travail de Richard avec Karen a été fortement influencé par la musique de Les Paul, qui mettait au premier plan la voix de son épouse et partenaire musicale Mary Ford. En utilisant des enregistrements multi-pistes, Richard a pu faire de même et c’était la voix de Karen qui rendait leurs chansons si reconnaissables.

La tessiture grave de la voix de Karen était chaleureuse et unique. Richard a organisé leur musique pour profiter des qualités de ce registre inférieur, même si la gamme vocale complète de Karen s’étendait sur trois octaves. Richard quant à lui est surtout connu pour avoir utilisé le piano électrique Wurlitzer, qu’il qualifiait de «chaleureux» et «magnifique». Il a également joué au piano à queue, à l’orgue Hammond, au synthétiseur et même au clavecin avec le groupe.

Karen initialement jouait de la batterie seulement, mais peu à peu, elle ne fit plus que chanter pour le groupe. La voix de Karen devint rapidement la pièce maîtresse des représentations du groupe, et l’exécution derrière son équipement de batterie ne permettant pas au public de la voir, il devint bientôt évident pour Richard et son manager qu’au fur et à mesure que la popularité du groupe augmentait, elle devait chanter à l’avant de la scène et cesser la batterie.

1946-1964 : L’enfance : 

Les Carpenters sont natifs de New Haven, dans le Connecticut. Richard était un enfant tranquille qui passait la plupart de son temps dans la maison à écouter des disques et à jouer du piano. Karen, aimait faire du sport, y compris du softball avec les enfants du quartier, mais elle passait aussi beaucoup de temps à écouter de la musique.

En juin 1963, la famille Carpenter déménagea dans la banlieue de Los Angeles à Downey, en Californie. À l’automne 1964, Richard s’inscrivit au California State College à Long Beach et Karen à la Downey High School, où elle découvrit qu’elle avait du talent pour jouer de la batterie.

1965-1967 : The Richard Carpenter Trio :

En 1965, Karen pratiqua la batterie pendant un an, et Richard affina ses techniques de piano avec Pooler comme professeur. À la fin de 1965, Richard s’associa avec son camarade de classe et son ami Wes Jacobs, qui jouait au tuba. Avec sa sœur jouant de la batterie, les trois formèrent un trio de jazz.

Au milieu de 1966, le Richard Carpenter Trio s’inscrivit aux compétitions annuelle du Hollywood Bowl. Ils jouèrent une version instrumentale de “The Girl from Ipanema” et leur propre titre intitulé “Iced Tea”. Le trio remporta le concours le 24 juin 1966 et fut recruté par RCA Records. Ils enregistrèrent des chansons telles que “The Little Kning” des Beatles et “Strangers in the Night” de Frank Sinatra pour RCA. Un comité de RCA examina leurs enregistrements mais choisit de ne pas les produire, et le Richard Carpenter Trio quitta RCA. En 1991, vingt-cinq ans plus tard, deux de ces enregistrements ont été publiés dans le cadre d’un compilation de titres des Carpenters “From The Top”.

1967-1968 : Spectrum :

En 1967, Richard et Karen s’associent avec quatre autres musiciens étudiants de Long Beach State pour former un groupe appelé “Spectrum”. Le groupe jouait souvent au Whisky a Go Go. Le membre de Spectrum, John Bettis, travaillera avec les Carpenters jusqu’à la mort de Karen en 1983, et composera de nombreuses chansons avec Richard.

En 1968, Spectrum se dissout et Wes Jacobs du Richard Carpenter Trio rejoint l’Orchestre symphonique de Detroit. Richard et Karen reçoivent une offre de passage sur le programme de télévision Your All American College Show à la mi-1968. Leur performance du 22 juin 1968 était la première apparition télévisuelle de Richard et Karen, avec le contrebassiste Bill Sissoyev recruté pour cette occasion et leurs autres apparitions sur le spectacle en 1968. Pendant ce temps, Richard et Karen continuent à affiner leur métier et produisent des bandes de démonstration dans le garage de Joe Osborn, un bassiste qu’il connaissent. L’une d’eux est entendue par Herb Alpert, de A & M Records, qui est intrigué par la voix unique de Karen. Le copropriétaire A & M leur fait signer un contrat de production de disque.

Offering (1969) : Leur premier album, intitulé Offering, sort en octobre 1969 et présente un certain nombre de chansons que Richard a écrit ou coécrit pendant leur période Spectrum. “Ticket to Ride” a été publié en tant que single et est entré au hit parade, atteignant le 54ème rang sur le Billboard Hot 100. Cependant, après la percée subséquente des Carpenters, l’album a été reconditionnée et réédité internationalement sous le nom de Ticket to Ride et s’est mieux vendu.

Close to You (1970) : en dépit de la mauvaise réception de l’album initial des Carpenters, A & M les garde et leur a demandé d’écrire des chansons pour un deuxième album. Herb Alpert demande à Richard de reprendre une chanson Burt Bacharach / Hal David intitulée “(They Long to Be) Close to You”. La version des Carpenters sort en 45 tours. Le single fait ses débuts à la 56ème place. Au cours des cinq prochaines semaines, il devient N°1. “Close to You” et “We’ve Only Just Begun” deviendront des disques certifiés or par la RIAA et Close To You atteint la 175 place sur la liste des 500 meilleurs albums de tous les temps de Rolling Stone en 2003.

Une série de singles et d’albums à succès ont permis aux Carpenters de rester dans les charts au début des années 1970. Leur succès de 1971 “For All We Know” a été enregistré à l’origine en 1970 par Larry Meredith pour une scène de mariage dans le film Lovers and Other Strangers. En l’entendant au cinéma, Richard a vu son potentiel et l’a ensuite enregistré à l’automne 1970. La piste est devenue le troisième single certifié or des Carpenters. Le quatrième single d’or du duo, «Rainy Days and Mondays», est devenu le deuxième top single de Williams et Nichols avec les Carpenters, qui culmina au n ° 2 sur le Billboard Hot 100 concurrençant le “Too Late” de Carole King. “Superstar”, écrit par Bonnie Bramlett et Leon Russell, est devenu le troisième numéro 2 du duo sur le Billboard Hot 100.

Carpenters (1971) : est sorti en 1971. Il est devenu l’un de leurs best-sellers, gagnant par quatre fois la certification platine, atteignant la 2ème place du Billboard’s album chart pendant deux semaines et restant sur le top 40 pendant 39 semaines. Il a permis aux Carpenters de remporter un Grammy Award, ainsi que trois nominations.

A Song for You (1972) : était le quatrième album, sorti le 13 juin 1972. Il contenait “Goodbye to Love”, un original de Carpenter / Bettis avec un solo de guitare de Tony Peluso qui le distinguait de la plupart des chansons des Carpenters, devenant leur troisième single de 1972, culminant à la septième place. Peluso continua à travailler avec les Carpenters jusqu’à la fin du groupe en 1983. Une autre composition de Carpenter / Bettis, “Top of the World”, était à l’origine destinée à être strictement un morceau de l’album, mais lorsque Lynn Anderson eut du succès avec la chanson au début de 1973, les Carpenters choisirent d’enregistrer leur propre version en 45 tours qui devint N°1 en 1973.

Now & Then (1973) : Le nom de cet album a été trouvé par Agnes Carpenter. Il contenait la chanson populaire “Sing” de Sesame Street et l’ambitieux “Yesterday Once More”, ainsi qu’un hommage aux anciens tubes radio avec huit chansons à succès des décennies précédentes dans une imitation de programme radio des oldies. Tony Peluso, le guitariste des Carpenters qui a fait ses débuts sur l’album de 1972, A Song For You, imite un DJ de radio tout au long du Medley de la face B, qui comprend des chansons comme “The End of the World”, “Dead Man’s Curve”, ” Johnny Angel “et” One Fine Day “.  La version single est devenue le plus grand succès du groupe au Royaume-Uni, gardant la seconde place pendant deux semaines.

En 1974, les Charpentiers ont atteint un succès international important avec un remake de “Jambalaya (On the Bayou)” de Hank Williams. Elle a atteint le top 30 au Japon, et la 12ème place au Royaume-Uni.

La pochette de l’album LP présente une couverture cartonnée pliable en trois parties, montrant une vue panoramique de Karen et Richard Carpenter conduisant leur Ferrari Daytona devant la maison familiale sur Newville Avenue à Downey, en Californie. Richard vendit plus tard cette Ferrari rouge, mais en achètera une autre en 1995.)

En février 2008, les fans ont créé une campagne mondiale de sensibilisation à la démolition imminente de la maison “Now & Then” des Carpenters qui a été rendue célèbre grâce à la couverture de l’album et est devenu par la suite une destination touristique. Les propriétaires de la maison, les Parras, qui l’avaient acheté en 1997 à Richard Carpenter après le décès de sa mère en 1996, en avaient eu assez des fans qui se rendaient chez eux. La maison de cinq chambres avait été achetée par Karen et Richard pour leurs parents en 1970. C’était une annexe à la maison maintenant détruite dans laquelle Karen s’est effondrée de la crise cardiaque qui l’a emportée en 1983.

The Singles : 1969-1973 (1974) : Les Carpenters n’ont pas enregistré de nouvel album en 1974. Le groupe avait beaucoup voyagé et les directeurs étaient épuisés. Au cours de cette période, le duo a publié un seul Hot 100 single, une composition de Paul Williams / Roger Nichols intitulée “I Won’t Last a Day Without You” tiré de leur LP de 1972 A Song for You. En mars 1974, ce single est devenue la cinquième et dernière sélection d’un nouveau projet d’album. Mais à la place de ce nouvel album pour 1974, leur première compilation a été lancée, mettant en vedette de nouveaux remix de leurs singles à succès précédents, certains avec une ligne musicale nouvellement enregistrée. Cette compilation est intitulée The Singles: 1969-1973. Elle est devenue l’une des meilleures vente de la décennie, avec plus de 7 millions d’exemplaires écoulés rien qu’aux États-Unis.

Horizon (1975) : Les Carpenters ont eu beaucoup de succès avec un remake des Marvelettes de chez Motown datant de 1961, “Please Mr. Postman”. Sorti à la fin de 1974, la chanson a atteint le n ° 1 sur le Billboard Hot 100 en janvier 1975, devenant le troisième et dernier numéro 1 en single du duo. La composition de Carpenter / Bettis “Only Yesterday” a suivi, atteignant la 4ème place.

Les deux singles sont apparus dans leur 1975 LP Horizon, qui comprenait également “Desperado” de Eagles et “Solitaire” de Neil Sedaka, qui est devenu un succès modéré pour le duo cette année. Horizon a été certifié platine. Les Carpenters ont été parmi les premiers américains à produire des vidéos musicales pour promouvoir leurs disques. Au début de 1975, ils ont filmé un clip de « Please Mr. Postman » à Disneyland ainsi que « Only Yesterday » aux Huntington Gardens.

A Kind of Hush (1976) : sorti le 11 juin 1976, est devenu disque d’or. Le plus grand pop single du duo cette année là était une reprise de Herman’s Hermits “There’s a Kind of Hush (All Over the World)”, qui atteignit la 15ème place sur le Billboard Hot 100. “I Need to Be in Love”, (la chanson préférée de Karen) atteindra elle, la 25ème place sur le Billboard Hot 100.

Passage (1977) : La folie des discothèques était en plein essor en 1977, et les artistes comme les Carpenters n’avaient que peu de passage à l’antenne des radios et des télévisions. Leur album expérimental, Passage, publié en 1977, a tenté d’élargir leur audience en s’aventurant dans d’autres genres musicaux. L’album présentait un mélange improbable de Jazz fusion (“B’wana She No Home”), de calypso (“Man Smart, Woman Smarter”) et de Ballades orchestrées (“I Just Fall in Love Again”, “Two Sides”). Ils contenait les hits, “All You Get from Love Is a Love Song”, “Sweet, Sweet Smile”, et “Calling Occupants of Interplanetary Craft”.

The Singles: 1974-1978 (1978) : Au lieu d’un nouvel album pour 1978, une deuxième compilation, The Singles: 1974-1978, fut diffusée au Royaume-Uni. Aux États-Unis, leur premier album de Noël, Christmas Portrait, devint un favori saisonnier, propulsant Karen et Richard au statut platine. Il fut bientôt suivi par The Carpenters: A Christmas Portrait, une émission télévisée diffusée le 19 décembre 1978.

Le 4 février 1983, Karen décède à l’âge de 33 ans. Le 12 octobre 1983, les Carpenters reçoivent une étoile sur le Hollywood Walk of Fame, à quelques mètres du Dolby Theatre. Richard et ses parents, Harold et Agnes Carpenter assistent à l’inauguration, ainsi que de nombreux fans.

Discographie : 

Offering (1969) réédité sous le nom Ticket to Ride
Close to You (1970)
Carpenters (1971)
A Song for You (1972)
Now & Then (1973)
Horizon (1975)
A Kind of Hush (1976)
Passage (1977)
Christmas Portrait (1978)
Made in America (1981)
Voice of the Heart (1983)
An Old-Fashioned Christmas (1984)
Lovelines (1989)
As Time Goes By (2003)

Voir sur YouTube : “Carpenters – Yesterday Once More( ORIGINAL VIDEO).mp4” par DAT HG ; “The Carpenters- Top Of The World(HD/HQ)” par XcmNear ; “Carpenters – Only Yesterday” par CarpentersVEVO ; “The Carpenters – Please Mr Postman [1978]” par Yrrah0015 ; “Carpenters There’s A Kind Of Hush” par Emerson Carlos

https://www.youtube.com/watch?v=z-UFpETHrXM

Steve Miller est un chanteur/guitariste texan né en 1943. Toute son enfance est marquée par le blues, en particulier T. Bone Walker. Il commence à faire parler de lui à la fin des sixties quand, arrivé à San Francisco en pleine explosion “hippie”, il se produit avec des musiciens locaux, puis avec sa propre formation, démontrant vite sa très grande valeur d’instrumentiste. Les groupes de Steve Miller furent assez nombreux et leur généalogie fort complexe. Le chanteur/guitariste Boz Scaggs fut un de ses principaux accompagnateurs, ainsi que Ben Sidran. Après avoir évolué dans une direction de plus en plus rock sur des albums tels The Joker ou Fly like an Eagle, Miller s’est intéressé aux perspectives offertes par les synthétiseurs. En 2016, Steve Miller a été intronisé comme artiste solo au Rock and Roll Hall Of Fame.

Les débuts du groupe :

En 1965, après avoir déménagé à Chicago pour jouer du blues, Steve Miller et le claviériste Barry Goldberg fondèrent le Goldberg-Miller Blues Band avec le bassiste Roy Ruby, le guitariste rythmique Craymore Stevens et le batteur Maurice McKinley. Le groupe passa un contrat avec Epic Records après avoir joué dans de nombreux clubs de Chicago. Ils apparurent également sur Hullabaloo (Une émission de variétés musicales américaines diffusée sur NBC de 1965 à 66) avec les Four Tops et les Supremes.

Ensuite, Miller quitta le groupe pour aller à San Francisco, où la scène psychédélique était florissante. Il y forme le groupe Steve Miller Blues. Harvey Kornspan, associé directeur, écrit et négocie le contrat historique du groupe en 1967 (860.000 $ sur cinq ans ainsi que 25.000 $ de budget de promotion qui devaient être dépensés à la discrétion du groupe) avec Capitol / EMI Records dont le président était à l’époque Alan Livingston. Peu de temps après, le nom du groupe est raccourci en Steve Miller Band afin d’élargir son audience. Le groupe, composé de Miller, du guitariste James Cooke, du bassiste Lonnie Turner, du batteur Tim Davis (qui a remplacé Lance Haas à la batterie) et Jim Peterman sur l’orgue Hammond B3, joue avec Chuck Berry lors d’un concert au Fillmore West qui fut publié en tant qu’album live, Live at Fillmore Auditorium. Le guitariste Boz Scaggs rejoint le groupe peu de temps après et le groupe joue au Festival Magic Mountain et au Festival de la musique Pop de Monterey en juin.

Les Disques :

En février 1968, en Angleterre, le groupe enregistre son premier album “Children of the Future” aux Olympic Studios (Londres) avec Glyn Johns en tant qu’ingénieur / producteur. L’album n’a pas de succès. Le deuxième album Sailor sort en octobre 1968 et se classe au Billboard à la 24ème place. Les succès comprenaient le single “Living in The USA”.

Brave New World (1969) : révèle les chansons “Space Cowboy” et “My Dark Hour”. “Paul Ramon” (alias Paul McCartney) y joue de la batterie, de la basse et chante sur les chœurs. L’album est suivi de Your Saving Grace et de Number 5 en 1970.

En 1971, Miller se blesse aux vertèbres cervicales dans un accident de voiture. Capitol Records sort l’album Rock Love, mettant en vedette des spectacles inédits en live (y compris une improvisation de 11 minutes sur la piste titre) et des enregistrements de studio. C’est l’un des deux albums de Steve Miller Band qui ne seront pas diffusés sur CD, l’autre étant Recall the Beginning…A Journey from Eden en 1972, la compilation Double Album Anthology sort aussi, contenant 16 chansons des cinq premiers albums du groupe.

The Joker (1973) : Le style et la composition des musiciens du groupe changent radicalement avec cet album qui se concentre sur le rock et en laissant de côté les tendances psychédélique du groupe. La piste titre devient un n ° 1 certifié platine, atteignant plus d’un million de ventes. L’album lui, fut certifié disque d’or par la RIAA le 11 janvier 1974. Plus de 16 ans plus tard, en septembre 1990, il atteint la première place dans le singles chart du Royaume-Uni pendant deux semaines après avoir été utilisé dans “Great Deal”, une publicité télévisée dirigée par Hugh Johnson pour Levi’s. Cette réédition de “The Joker” a également marché en Irlande, en Nouvelle-Zélande, en Allemagne et aux Pays-bas. Le début des paroles est une référence à la chanson “Space Cowboy” de l’album de Steve Miller : Brave New World (1969) puis à “Gangster of Love” tiré de Sailor (1968) et à “Enter Maurice” de Recall the Beginning…A Journey from Eden (1972).

Fly Like a Eagle (1976) : Trois ans plus tard, le groupe revient avec cet album qui se classe en troisième place au Top Album. Trois singles en sont extraits : “Take the Money and Run” (11ème place), “Fly Like a Eagle” (2ème place) et leur deuxième succès numéro un, “Rock’n Me”. Sur ce morceau, Miller utilise l’intro de guitare de la chanson “All Right Now” du groupe Free.

Book of Dreams (1977) : Suite logique de Fly Like an Eagle, ce disque se veut plus expérimental. Steve Miller tâte un peu le synthétiseur, mais n’oublie pas quand même le coup de chapeau au blues, avec un magnifique morceau du guitariste noir Paul Pena, “Jet Airliner” qui sera classé à la 8ème place au top singles chart U.S. De cet album sortent également deux autres succès : “Jungle Love” (23ème place), et “Swingtown” (17ème place).

Abracadabra (1982) : donne à Steve Miller son troisième succès numéro un avec la piste titre. Cette année là, Steve Miller détrône le “Hard to Say I’m Sorry” du groupe Chicago de la première place, tout comme Chicago l’avait fait 6 ans plus tôt pour “Rock’n Me” avec la sortie de leur tube “If You Leave Me Now” en 1976.

Sorti en 1978, The Greatest Hits de Steve Miller 1974-78 est vendu plus de 13 millions d’exemplaires, et Miller continue de réaliser des concerts en live.

Bingo !, un nouvel album de blues et de reprises R & B, est sortie en juin 2010. Let Your Hair Down, une version complémentaire de Bingo ! est publié 10 mois plus tard, en avril 2011.

Le membre fondateur Tim Davis (Batteur et chanteur) est mort de complications dues au diabète le 20 septembre 1988 à l’âge de 44 ans. Le membre du groupe Norton Buffalo est décédé d’un cancer du poumon le 30 octobre 2009. John King (batteur pendant l’ère “The Joker”) est décédé d’un cancer du rein le 26 octobre 2010. Le guitariste James Cooke est décédé d’un cancer le 16 mai 2011.

Discographie : 

Children of the Future (1968)
Sailor (1968)
Brave New World (1969)
Your Saving Grace (1969)
Number 5 (1970)
Rock Love (1971)
Recall the Beginning…A Journey from Eden (1972)
The Joker (1973)
Fly Like an Eagle (1976)
Book of Dreams (1977)
Circle of Love (1981)
Abracadabra (1982)
Italian X Rays (1984)
Living in the 20th Century (1986)
Born 2 B Blue (1988)
Wide River (1993)
Bingo! (2010)
Let Your Hair Down (2011)

Voir sur YouTube : “The Joker – Steve Miller Band” par sexygirl747 ; “Steve Miller Band – Rock’N Me – Live From Chicago (HD)” par Coming Home Media – HD Videos ; “Steve Miller Band – Jet Airliner (Live)” par Bert van der Waal van Dijk ; “Steve Miller Band Live From Chicago Take The Money And Run” par Max K

C’est sans doute, avec les Beatles et les Rolling Stones, le plus connu des groupes de pop music britannique. En tout cas, le plus écouté. Formé en 1966 par d’anciens étudiants en architecture, il tire son nom de deux bluesmen obscurs : Pink Anderson et Floyd Council. Le groupe de rock progressif rencontre sa première chance en octobre 1966, à la Rounhouse de Londres, le soir du lancement du journal underground IT (International Times). L’affiche réunit deux groupes : lui et le groupe Soft Machine. Pink Floyd y jouera une des premières moutures de son “Interstellar Overdrive”, largement improvisée. On leur colle dès lors sur le dos l’étiquette “psychédélique” – amplement justifiée par l’attitude de leur leader du moment, Syd Barrett. Celui-ci crée alors une musique bizarre et hallucinée. Et son groupe fait les beaux jours du Londres souterrain et bohème de l’époque – en particulier au club UFO. L’inspiration débridée, l’expérimentation à tous crins, la folie de Syd Barrett aboutit rapidement, dès 1968, à une certaine confusion. Barrett est mis sur la touche et remplacé par le guitariste David Gilmour. Le groupe prend alors sa forme définitive, soit, outre Gilmour : Roger Waters (Basse), Richard Wright (Claviers) et Nick Mason (Batterie).

À partir de ce moment là, il se concentre sur des thèmes plus séduisants, créant un son particulièrement “planant”, surtout grâce au jeu très coulé de David Gilmour. Waters écrit pratiquement toutes les compositions et s’affirme en leader du groupe. À l’apogée de son succès, entre 71 et 73, le Pink Floyd conquiert tout un nouveau public et rend la pop music “acceptable” par des gens, qui jusqu’alors, la refusaient pour des raisons esthétiques (ou soit-disant telles). On les accuse alors de faire de la musique pour jeunes cadres dans le vent, amateurs d’effets stéréos. Pourtant l’influence de Pink Floyd continue à s’étendre, notamment vers l’Allemagne, où beaucoup de formations reconnaissent avoir été inspirées par lui comme Tangerine Dream par exemple. Même s’ils ne produisent plus que très rarement, notamment depuis 1994, les musiciens du Pink Floyd ont laissé une empreinte énorme dans le rock, en y introduisant des données aussi importantes que la fascination, et un plaisir musical quasiment extatique renouvelé à chaque écoute.

The Piper at the Gates of Dawn (1967) : est le premier album du groupe Pink Floyd, sorti le 5 août 1967. Le titre de l’album (en français Le joueur de pipeau aux portes de l’aube) est une référence au chapitre 7 du livre Le Vent dans les saules de Kenneth Grahame. Le disque est largement dominé par l’influence de Syd Barrett, dont les compositions évoquent l’espace (“Astronomy Domine”, “Interstellar Overdrive”) ou les contes de fées (“Matilda Mother”, “The Gnome”). L’album fut enregistré dans le studio no 3 d’Abbey Road, tandis que dans le studio no 2, en face, les Beatles enregistraient leur album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Reçu plutôt positivement par la critique à sa sortie, il sera plus tard reconnu comme l’un des plus grands albums psychédéliques des années 1960.

A Saucerful of Secrets (1968) : C’est la dernière participation, et de manière limitée, de Syd Barrett à Pink Floyd. Dès la fin de 1967, il est sous l’emprise des nombreuses drogues qu’il absorbe quotidiennement, notamment le LSD : il n’arrive plus à jouer en groupe, a de plus en plus peur de se produire en concert et ses absences répétées fragilisent la cohésion du groupe. Les autres musiciens cherchent alors un autre guitariste pour, dans un premier temps, épauler Barrett, puis pour le remplacer. Le premier nom à circuler est celui de Jeff Beck, on a aussi pensé à David O’List des Nice, mais c’est finalement David Gilmour, originaire comme les quatre autres de Cambridge et ami d’enfance de Barrett, qui devient le nouveau membre de Pink Floyd.

More (1969) : Il s’agit de la bande originale du film More de Barbet Schroeder. Le film met en scène l’aventure d’un jeune Allemand qui découvre les plaisirs mais aussi l’enfer de la drogue grâce à une Américaine. Tourné en pleine période hippie, une bonne partie du film se déroule à Ibiza qui deviendra un lieu incontournable pour le mouvement hippie. Cet album se classa à la 9ème place des charts britanniques lors de sa sortie et à la 153ème place du billboard 200 lors de sa réédition en 1973 aux États-Unis. En France, More sera certifié disque d’or (100.000 exemplaires vendus) en 1977.

Ummagumma (1969) : C’est l’œuvre qui a vraiment lancé le groupe en même temps que la musique du film More. Double album : un disque en public et l’autre en studio. Les concepts retenus sont, pour les deux disques présenter des morceaux longs (environ 10 minutes) composés et interprétés dans un esprit « psychédélique », mais pour l’album studio, que chaque membre du groupe propose son propre morceau. Ces titres seront développés plus tard dans des albums comme Atom Heart Mother ou Meddle. Finalement les membres du groupe furent déçus par le résultat : David Gilmour ne sut pas « s’expliquer son succès commercial », tandis que Roger Waters dit simplement : “Ummagumma? What a disaster!” . Il obtint pourtant en France le Grand Prix de l’Académie Charles-Cros et connut une faveur certaine en Grande-Bretagne, figurant à la cinquième place dans le classement des albums. Aux États-Unis, il atteindra la 74ème place du Billboard et se vendra à plus d’un million d’exemplaires.

Atom Heart Mother (1970) : La seule expérience vraiment symphonique de Pink Floyd. Avec Meedle qui suivra, c’est un album charnière – Entre le Rock d’Ummagumma et la sophistication de Dark Side Of The Moon. La production est infiniment soignée, avec des petits trucs drôles pour fanatiques de la hifi, comme le vol d’une mouche. L’instrumental “Atom Heart Mother” qui fait 23 minutes, a été coécrit par un membre extérieur au groupe, le musicien avant-gardiste Ron Geesin.

The Dark Side of the Moon : est Paru le 1er mars 1973 aux États-Unis et le 23 mars 1973 au Royaume-Uni, il est souvent considéré comme l’album le plus abouti des Pink Floyd. Il aborde des thèmes universels, comme le travail, l’argent, la vieillesse, la guerre, la folie et la mort. The Dark Side of the Moon a la particularité d’avoir été joué pour la première fois le 20 janvier 1972, soit plus de treize mois avant sa sortie en disque, et d’avoir été joué et retravaillé durant tout ce temps, sur scène.

Le groupe se servit, pour l’enregistrement, de techniques encore rares à l’époque, (L’enregistrement fut fait sur un magnétophone 16 pistes, matériel qui permet une bien plus grande flexibilité de mixage que les anciens 4 et 8 pistes. Richard Wright quant à lui utilisa des synthétiseurs analogiques, comme le VCS 3, sur plusieurs des pistes.) Ces apports technologiques sont particulièrement palpable sur des titres comme “Breathe” et surtout “On The Run”. Alan Parsons était l’ingénieur du son responsable de l’enregistrement, et notamment des principaux aspects sonores présents comme la performance imprévue de la chanteuse Clare Torry sur “The Great Gig in the Sky”. La pochette, réalisée par Storm Thorgerson, est la réponse à la demande du groupe d’un concept graphique « simple et audacieux ». Le célèbre prisme représente l’éclairage scénique du groupe, et le livret original de l’album contenait les paroles des chansons de l’album. 

Resté dans le Billboard 200 américain pendant une période record de 914 semaines — l’équivalent de plus de 17 ans et 6 mois — dont 591 consécutives, le disque représente, jusqu’à aujourd’hui, l’une des meilleures ventes d’albums de tous les temps (entre 45 et 50 millions d’exemplaires). Les titres “Money” et “Us and Them/Time” sont sortis en single, et “Money” est devenu le premier à propulser Pink Floyd en tête des ventes.

Wish You Were Here (1975) : L’album sort le 12 septembre 1975 au Royaume-Uni et le lendemain aux États-Unis. Les 250.000 commandes britanniques le propulsent immédiatement en tête des charts, et la demande est telle qu’EMI informe les détaillants qu’ils ne pourront satisfaire que la moitié de leurs demande, tandis qu’aux États-Unis, Columbia a reçu plus de 900.000 commandes pour l’album, qui se hisse en tête du Billboard dès sa deuxième semaine.

“Shine On You Crazy Diamond” : a pour thème l’absence en général, mais au fil de son évolution, c’est l’absence de l’ancien leader du groupe, Syd Barrett, qui influence la composition, et tout le reste de l’album. Le titre du morceau est d’ailleurs probablement issu du prénom “Syd” : Shine on You crazy Diamond. Celui-ci se rend d’ailleurs aux studios Abbey Road le 5 juin 1975, pendant les sessions de travail sur l’album. Sa visite bouleverse les membres du groupe, qui le revoient pour la première fois depuis deux ans. Il est devenu chauve, obèse et instable, et les membres du groupe ne l’ont pas de suite reconnu. En voyant ce qu’il est devenu, David Gilmour éclatera en sanglot.

“Have A Cigar” : Aucun membre du groupe n’a chanté sur cette chanson. En effet, Roger Waters et David Gilmour n’étaient ni l’un ni l’autre satisfait de leur interprétation. Lorsque Roy Harper se proposa pour chanter le morceau, cela leur a semblé être la bonne solution. Ils lui ont donc laissé leur place. C’est ainsi que le chanteur/guitariste anglais, qui enregistrait un album solo en même temps dans le studio 2 des Studios Abbey Road a posé sa voix sur les bandes du morceau. Néanmoins, durant les spectacles de 1975 et 1977, ce fut Roger Waters qui chantait.

Animals (1977) : trouve son inspiration dans le livre “La Ferme des animaux” de George Orwell et reprend les grandes lignes du roman : le cynisme, l’agressivité, la critique sociale en utilisant des archétypes animaux. La société est ainsi divisée en trois castes qui donnent leurs titres aux morceaux : “Pigs” (la bourgeoisie), les porcs qui baignent dans la luxure et l’oisiveté. “Dogs” (la petite bourgeoisie), la classe intermédiaire, les chiens qui recherchent le profit, qui exercent le contrôle des masses avec agressivité, et “Sheeps” (le peuple), les soumis tels les moutons qui suivent docilement en troupeau, aveuglés et impuissants. Animals rompt singulièrement avec les thèmes explorés par Pink Floyd dans Wish You Were Here ou The Dark Side of the Moon, prenant un ton nettement politique au sein d’une scène musicale anglaise marquée par l’ascension fulgurante du punk.

The Wall (1979) : L’album eut un immense succès dès sa sortie, montant rapidement à la première place du Billboard aux États-Unis, en seulement quatre semaines, et à la troisième place en Grande-Bretagne. On estime le nombre total de ventes dans le monde à 30 millions de copies. C’est le double album le plus vendu de tous les temps ; aux États-Unis, il est 23 fois disque de platine pour 11,5 millions d’albums doubles vendus. C’est le deuxième album de Pink Floyd le plus vendu après The Dark Side of the Moon et l’un des albums les plus populaires au début des années 1980. Le single “Another Brick in the Wall, Part II” est le seul single No. 1 du groupe au Billboard.

The Wall est un double album produit par Bob Ezrin, que l’on avait davantage l’habitude de voir aux côtés d’Alice Cooper. L’histoire de l’album raconte la vie d’un anti-héros, Pink, qui perd son père durant la Seconde Guerre mondiale, est ensuite surprotégé par sa mère, puis tyrannisé par des professeurs désireux de le modeler comme les autres élèves. Pink se retire alors dans un univers imaginaire en bâtissant un mur dans son esprit, une allégorie représentant sa distanciation émotionnelle, pour se protéger du reste du monde : chaque traumatisme qu’il subit est une brique de plus ajoutée à son mur. Parallèlement à ce processus, il devient une « rock star » et se marie, mais il s’éloigne de plus en plus de sa femme, qui finit par le tromper. Pink achève alors la construction de son mur. Il sombre peu à peu dans la folie et la dépression. Perdu en lui-même, son entourage lui injecte des médicaments pour qu’il puisse assurer ses concerts. Pink hallucine et se prend pour un dictateur fasciste : ses concerts deviennent des prestations néo-nazies durant lesquelles il envoie ses hommes contre les fans qu’il considère indignes, mais sa conscience finit par se révolter et le soumet à un procès dans lequel il est à la fois accusé et plaignant. À l’issue de ce procès, le juge ordonne que le mur soit détruit et que Pink s’ouvre au monde.

The Final Cut (1983) : Cet album-concept est le dernier du groupe auquel participe Roger Waters, et le seul pour lequel il fournit l’intégralité des paroles et de la musique. De nombreux musiciens de studio y contribuent et la production est marquée par les tensions croissantes entre Waters et les autres membres du groupe notamment Gilmour. C’est un disque anti-guerre, qui présente quelques caractéristiques d’un opéra-rock. Dans ses paroles, Waters exprime ce qu’il ressent comme une trahison à l’égard des soldats britanniques tués pendant la Seconde Guerre mondiale, qui sacrifièrent leurs vies dans l’espoir que leur victoire permettrait la naissance d’un monde en paix où les chefs politiques seraient moins enclins à utiliser la guerre pour résoudre leurs disputes. Les paroles de l’album critiquent Margaret Thatcher, appelée « Maggie » tout au long de l’album, dont les décisions politiques (notamment son engagement dans la guerre des Malouines contre l’Argentine) sont considérées par Waters comme un exemple de cette trahison.

Après le départ de Roger Waters en 1985, David Gilmour devient l’unique leader du groupe avec le batteur Nick Mason et avec le retour de Richard Wright (exclu du groupe en 1979 par Waters) aux claviers en 1987 jusqu’à sa mort en 2008. Le groupe enregistre deux albums studio sous la direction de Gilmour : A Momentary Lapse of Reason en 1987, et The Division Bell en 1994, avant de se séparer en 1996 pour que chaque membres s’investissent à plein temps dans des carrières solos.

The Division Bell (1994) : traite en grande partie de la communication et surtout de la parole qui peut résoudre de nombreux problèmes dans la vie. C’est pourquoi il est considéré comme le contraire de The Wall qui traite justement de l’absence de communication. À travers cet album on retrouve dans quelques chansons comme “Poles Apart” ou “Lost For Words” les rapports ombrageux entre Pink Floyd et Roger Waters qui, comme on le sait, a quitté le groupe 9 ans plus tôt.

Syd Barrett décède en 2006 à l’âge de 60 ans et Richard Wright en 2008 à l’âge 65 ans.

The Endless River (2014) : l’album connaît d’emblée un très grand succès commercial et se classe numéro un dans vingt pays, dont le Royaume-Uni et la France où il est disque d’or dès la première semaine puis double disque de platine en 4 mois, ses ventes dépassant les 2,5 millions d’exemplaires en 2014 (soit la 9e meilleure vente mondiale). Il n’y aura pas de tournée pour cet album.

Discographie : 

The Piper at the Gates of Dawn (1967)
A Saucerful of Secrets (1968)
More (1969)
Ummagumma (1969)
Atom Heart Mother (1970)
Meddle (1971)
Obscured by Clouds (1972)
The Dark Side of the Moon (23 mars 1973)
Wish You Were Here (1975)
Animals (1977)
The Wall (1979)
The Final Cut (1983)
A Momentary Lapse of Reason (1987)
The Division Bell (1994)
The Endless River (2014)

Voir sur YouTube : “Pink Floyd – Money (Official Music Video)” et “Pink Floyd – Another Brick In The Wall, Part Two (Official Music Video)” par Pink Floyd ; “PINK FLOYD – Learning To Fly (original video)” par CESAR PEREZ ; “Pink Floyd – Shine On You Crazy Diamond [ Official Music Video ]” par Amir Bagheri ; “Pink Floyd – Marooned (Official Video)” par Pink Floyd